Une langue organique

La pièce est construite comme un kaléidoscope, où l’on traverse les événements marquants de la vie d’Emma, la préparation de son évasion puis son absence. Rébecca Déraspe multiplie les points de vue, temporalités, mais aussi les formes narratives (slam, ellipses, répétitions, suspension, noms transformés en verbes, monologues, dialogues, chants, textes écrits, témoignages…) pour remonter le fil de l’histoire d’Emma. C’est par touches, sensations que nous reconstituons le puzzle de cette disparition et de ses répercussions. Les personnages, à la fois acteurs, spectateurs et narrateurs composent un d’oratorio sans musique, dans une langue libre, surprenante, organique et qui offre au spectateur une grande liberté.

Au-delà de l’intime, un portrait sans concession de notre époque

Sur la page de son texte qui présente ses personnages, Rébecca Déraspe décrit « Il y a la mère, le père, le conjoint, les amis, les autres. Ceux qui font en sorte que Emma se constitue en tant qu’Emma. » 

Dès le début, le drame personnel est annoncé : à force de vouloir être ce que son environnement attend / espère / projette, Emma se perd dans des identités fabriquées par d’autres pour elle. Elle devient un être universel, un réceptacle à valeurs sociales et familiales : une fille reconnaissante, une femme moderne, une épouse attentionnée, une mère attentive, une infirmière dévouée… En quelque sorte une personne bien comme il faut, mais dépossédé de son mystère. 

Chaque renonciation à une partie de soi-même est une forme de disparition. La disparition physique d’Emma n’est que la conséquence de son essence qui s’est évaporée, à force de renoncements et d’effacements successifs.

A travers son quotidien et celui sa famille, l’autrice traque ces instants de renonciation.

Elle ne porte aucun jugement sur la radicalité de la décision d’Emma, mais ne tait rien non plus du deuil de celles et ceux qui restent. Derrière le drame intime et familial, c’est bien notre « ultra moderne » société contemporaine qui se dessine, qui formate les êtres, laisse peu de place à leur mystère et finalement enfante des fantômes.

Une pièce d’une infinie tendresse 

Rébecca Déraspe a une infinie tendresse pour ses personnages. Il y a une bienveillance qui traverse l’ensemble de la pièce. Elle orchestre un ballet de solitaires qui œuvrent à leur survie en composant comme ils peuvent avec leur histoire et le monde qui les entoure. 

Elle devient par contre redoutable et souvent irrésistiblement drôle lorsqu’elle universalise les figures qui ponctuent et conditionnent nos vies.  Elle donne chair et corps aux réseaux sociaux, au « milieu de travail », à « l’amie de classe moyenne ayant grandie », à « la dame qui sait » ou encore à « l’ami d’un ami qui a déjà pris une bière dans le même bar que Emma »… Elle constitue ainsi un chœur de la rumeur publique aux multiples voix et aux conséquences souvent redoutables.

Elle est tendre avec ce que chacun est individuellement, mais redoutable avec ce que nous produisons collectivement.

Un drame qui prend souvent des airs de comédie

Rébecca Déraspe porte un regard décalé sur nos habitudes quotidiennes, nos névroses, nos rituels familiaux, nos incompréhensions. Il y a beaucoup de légèreté dans le portrait de cette famille. L’autrice garde une distance amusée avec ce qui façonne notre lien aux autres. Mais cette distance s’effrite progressivement, et ce qui semblait être drôle et inoffensif devient un terreau d’isolement et d’enfermement. L’émotion et la gravité nous saisissent délicatement mais fermement, pour au final ne plus nous lâcher.

Rompre le cycle les silences

Chacun est une synthèse complexe d’une histoire collective, familiale et individuelle, histoire souvent transmise en partie inconsciemment ou sous forme de non-dits. Cette absence de mots dans la culture que nous héritons fige certains modèles que chacun reproduit malgré-lui, puisque jamais ouvertement interrogés. Ce silence est aussi un espace infini à fantasmes, ou chacun projette ce qu’il croit être la réalité.

Dans le progressif effacement d’Emma, qu’est-ce qui relève réellement du monde dans lequel elle vit et qu’est-ce qui relève de ce qu’elle fantasme de ce monde-là. 

La bouleversante scène finale de la pièce où Nina, la fille d’Emma, brise enfin le silence qu’on lui a imposé, semble suggérer que d’autres modèles et d’autres mondes sont possibles.

Ceux qui se sont évaporés est un chant qui célèbre l’unicité de chaque être, son mystère et sa singularité.

Conserver le texte original

Écrite en québécois, j’ai fait le choix, à quelques détails près, de ne pas l’adapter et de ne surtout pas demander aux comédiens de reproduire les sonorités de la langue originale. Le québécois devient ainsi une langue théâtrale en soi, que l’on peut mâcher, s'approprier, faire sienne. Aux acteurs de trouver leur phrasé, leur souffle, leur rythmique pour permettre à cette langue de se déployer pleinement. Une étrangeté magnifique, poétique et théâtralement très riche.

C’est pour cette raison que j’ai demandé au musicien et compositeur Cyril Romoli de m’accompagner dans la direction d’acteur, pour inventer avec les comédiens cette langue unique au spectacle.

Un dédale composé de
transparence et d’opacité

Pour la scénographie, avec le vidéaste Bastien Capela et la créatrice lumière Lucie Joliot, nous sommes en train de rêver à un dédale composé de matières translucides, avec différents niveaux d’opacité. Nous souhaitons prolonger l’espace de jeu par une forme de labyrinthe où nous pourrions faire disparaitre progressivement les corps, alors même qu’ils sont dans une réelle proximité. Ce dédale deviendra également surface de projection et de décomposition d’images et de texte, notamment pour les parties plus oniriques. À l’image de l’écriture qui multiplie les formes narratives et brouille les perceptions, nous souhaitons également explorer cette dimension dans la scénographie.

Fabian Chappuis